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| El entierro del señor de Orgaz. EL GRECO. Iglesia de Santo Tomé. Toledo. |
- Análisis
En esta obra podemos ver el entierro al
señor Don Gonzalo Ruiz o señor de Orgaz que está rodeado por eclesiásticos y
otros civiles, mientras le esperan Cristo, la Virgen y los ángeles en la parte
superior de la obra. Representa el entierro del señor de Orgaz, localidad de la
provincia de Toledo.
La técnica utilizada será un óleo sobre
lienzo. En la parte superior observamos una pincelada más suelta que da la
sensación de abocetamiento del cuadro pero en cambio en la parte inferior,
representada como la vida terrenal, la manera de representar el cuadro es muy
minuciosa, representando el más mínimo detalle como por ejemplo en la
decoración de las telas de los Santos, especialmente, la de San Esteban.
En esta obra predomina el color frente la
línea.
El color será simbólico ya que aplica
tonalidades muy vistosas en algunos casos como en el de los Santos, la Virgen,
el cura, etc y en otros casos pasa directamente a unas escalas de grises,
negros y blancos poco naturales.
La gama de colores empleada, en su mayoría
será fría por los tonos grises y negros que predominan en la parte inferior
aunque también se pueda ver esta gama en la parte superior. Por otra parte, se
empleará también una gama de colores cálidos que influyen notablemente en la
composición, como son el dorado de las túnicas, los rojos del traje de la
Virgen o de la cruz que llevan algunos personajes en sus trajes, etc.
Los colores están matizados adquiriendo
tonos irisados y metálicos.
La luz de la obra tiene una procedencia
irreal. En la parte superior no existen focos ni dirección, ya que los
personajes aparecen iluminados cada uno de cierta manera según la zona en la
que nos estemos fijando. Esto hace que las figuras sean irreales frente a la
zona inferior, ya que en esta zona la luz es más natural porque procede de un
foco concreto, que será la parte izquierda. Los propios personajes, al estar
tan juntos hacen que no se creen efectos espaciales y solo se crean volúmenes
en la cara y ropajes. Aún así la luz en la parte posterior también será irreal
porque las antorchas que portan algunos personajes no crean ninguna sombra
sobre ellos. Esto posiblemente sea para prestar atención hacia algunas escenas determinadas.
Por el contraste y la intensidad de la luz existe cierto tenebrismo y
claroscuros en la obra.
La perspectiva de esta obra es muy poco
realista. Existe interés por ella y el
eje del cuadro estará en el cuerpo del señor Orgaz y algunos recursos para
dotar de perspectiva a la obra serán los escorzos. En
la zona superior, la perspectiva cambia por completo. Toda la escena se
encuentra representada de mayor a menor, proponiendo al espectador su posición
baja ante la visión celestial, lo cual hace que las figuras se vayan
empequeñeciendo según ascendemos. Esto se ve claramente en el tamaño de la
Virgen y el tamaño de Dios.
En la zona inferior, el espacio
es muy reducido, formándose una pantalla de cabezas tras la escena principal
que cierra la visión y la deja sin referencias espaciales. Por delante de ella,
los personajes principales crean su propio ámbito, adelantándose hacia el
espectador en sucesivos planos. La parte donde deberían estar posados los pies
está eliminada para dejar así a los personajes sin suelo y sin referencias
espaciales.
En cuanto a la composición, la
obra se divide claramente en dos ámbitos: El inferior, refleja la vida terrena.
El superior, se corresponde con el espacio divino, ocupado por Dios, la Virgen
y los santos. Estos dos espacios se relacionan a través de un elemento
intermedio, el alma del noble, representada por un paño blanco, que es acogida
por un ángel y elevada al Reino de los cielos.
En el caso de algunas figuras,
se aprecia un movimiento helicoidal ascendente, es decir la línea serpentinata,
como en algunos ángeles, el Señor Orgaz,
etc.
En esta obra existe una clara
simetría y la obra estará divida en dos zonas, tanto vertical como
horizontalmente.
Dicho cuadro consta de gran
dinamismo de sus figuras ya que cada uno de ellos estará realizando un
movimiento diferente.
No existe jerarquización del
tamaño pero sus figuras están ordenadas según la importancia o el cargo que
tuviesen (de más importancia a menos).
El sistema representativo es figurativo
muy idealizado, con un gran alejamiento de la realidad para remarcar el
carácter misterioso de la escena. Podemos observar un alargamiento de los
rostros que es antinatural. Por otro lado intenta plasmar todos los detalles de
los rostros, ropajes y demás elementos. En ese aspecto el pintor se revela como
un gran pintor de calidades. También será realista en cierto modo ya que en el
caso de algunos personajes representa fielmente su retrato.
- Comentario
Por todo lo dicho anteriormente
podemos observar que estamos frente a una
obra del Renacimiento Español, concretamente del periodo manierista, titulada
como El entierro del señor Orgaz, de Domenikos Theotokopoulos (El Greco). La
fecha concreta de la obra ira de 1586 a 1588 por lo que se encuadra durante el
siglo XVI. El cuadro se encuentra en la Iglesia de Santo Tomé en Toledo.
El Renacimiento tardó mucho
tiempo en llegar hasta España ya que el Gótico estaba muy arraigado en nuestro
país.
Es difícil establecer una línea
divisoria clara entre las últimas obras del Gótico flamígero y las del primer
Renacimiento. Éste se desarrolla desde finales del siglo XV hasta finales del
XVI.
Podemos establecer los
siguientes periodos en el Renacimiento español:
- Transición del Gótico al Plateresco
- Estilo inicial: Plateresco
- Transición al Clasicismo
- Clasicismo
- Manierismo
Los promotores del Arte en este
momento serán la Monarquía, la Iglesia y la nobleza.
El cambio de estilo se produce
durante el reinado de los Reyes Católicos, que además culminaron la unificación
del territorio español, lo que sirvió para paliar las diferencias regionales,
aunque pervivirán diferencias jurídicas, sociales y económicas.
La influencia del Estilo
flamenco va a ser muy importante, a veces más que la italiana, tanto Carlos I,
como Felipe II admiraron la pintura flamenca.
El Cardenal Cisneros fue
regente hasta la llegada al poder de Carlos I, apoyó la creación artística
dando lugar a un estilo llamado Estilo Cisneros.
Castilla inició su expansión
por el Atlántico mientras que Aragón siguió unido al Mediterráneo.
El Derecho Internacional tiene
un gran exponente en el padre Bartolomé de las Casas (defensor de los indios) y
Francisco Vitoria.
En el ámbito científico los
campos más desarrollados fueron: la navegación, la cartografía, la náutica, la ingeniería
naval y la ingeniería militar.
En el campo literario destacan
Cervantes, fray Luis de León, San Juan de la Cruz, Garcilaso de la Vega, etc.
Las características más
significativas de este estilo son:
- Temática: religiosa
- Influencias muy diversas: italiana en el Levante, flamenca en Castilla
- La llegada de Carlos V al poder supone la venida de artistas italianos manieristas
- Felipe II y su mecenazgo sobre las artes, debido a la decoración del Escorial, producen una verdadera eclosión de la pintura en el segundo tercio del siglo XVI
El Greco (1541-1614) nació en la isla de
Creta, que pertenecía a la República de Venecia. Allí se formó bajo el influjo
de los iconos bizantinos. Pronto viajó a Venecia para formarse artísticamente
en la técnica colorista de Tiziano y Tintoretto. En Roma estudió el arte de
Miguel Ángel.
De vuelta a Venecia tuvo noticia de que en
el Escorial necesitaban pintores, por lo que decidió trasladarse a España.
Pintó dos obras para Felipe II, que no agradaron al monarca, por lo que acabó
instalándose en la ciudad de Toledo, donde acabó desarrollando su carrera
pintando para la iglesia y la nobleza local.
El Greco, estilizaba a sus figuras, lo cual
contribuía a acentuar la sensación de espiritualidad que se desprende de sus
personajes. Las luces están violentamente contrastadas, los paños que envuelven
a los personajes parecen flotar alrededor de sus cuerpos. La gama cromática
empleada, es muy amplia donde se destacan los amarillos y los rojos, pero
también los verdes, azules y grises.
Maneja claramente el lenguaje de las manos
y gestos corporales por lo que dota de gran expresión a las figuras algo que
dota de espiritualidad y elegancia a sus cuadros.
Utiliza una pincelada suelta, rasgo que se
acentúa cuando van pasando los años. Sus composiciones suelen ser complicadas
estableciendo divisiones entre el mundo terrenal y el mundo celestial por lo
que recurrirá a atrevidos escorzos y angostos espacios que producen sensación
de agobio.
A pesar de su estilo muy personal, estos
recursos artísticos lo incluyen claramente en el período manierista.
El nombre más conocido de la obra es
erróneo, pues el señor de Orgaz no era conde. También es necesario señalar que
el sepelio representado tuvo lugar 200 años antes de la llegada del Greco a
Toledo. El caso es que el noble Don Gonzalo Ruiz, fallecido dos siglos antes,
había dispuesto en su testamento que los habitantes del señorío de Orgaz
hicieran importantes donaciones a la parroquia de Santo Tomé. Con el tiempo la
donación fue dejada en el olvido, hecho que obligó al párroco de Santo Tomé a
reclamar lo estipulado. Con los beneficios decidió encargar un gran lienzo
reflejando el milagro de San Esteban y San Agustín bajando del cielo para dar
sepultura al señor de Orgaz.
- Conclusiones
En principio el Greco realizaba iconos
bizantinos, ya que eran típicos de la región de Creta donde por aquel entonces
residía. Los colores dorados utilizados en dicha corriente fueron posiblemente
rasgos que utilizo el Greco para caracterizar su pintura.
Otros precedentes de la obra del Greco
fueron los pintores Italianos como Miguel Ángel, Rafael y Correggio. Fue discípulo de Tintoretto y en algunos
casos su obra tiene rasgos venecianos, pero sin duda fueron las obras
manieristas de Miguel Ángel las que le inspiraron a pesar de hacer una lectura
de ellas un tanto personal y alejada de la pintura Italiana del momento.
Los impresionistas y expresionistas, que
apreciaban su fuerte capacidad expresiva, se interesaron por él y revalorizan a
este pintor tras un largo tiempo en el que aparece en el olvido, convirtiéndolo
en uno de los máximos exponentes de la pintura de la historia. La Ilustración
rechazó su obra pero los románticos la recuperan, al igual que la Generación
del 98 que la interpretó como la expresión plástica más concreta del misticismo
literario de San Juan de La Cruz o de Santa Teresa de Jesús.
Manet fue uno de los autores que le estudió
aunque finalmente le impresionó la obra de Velázquez. Analizando
la obra del cretense, se consideró que había similitudes con Cézanne, Manet,
Renoir y Degas.
Esta obra en concreto sirvió
de inspiración a un joven Pablo Picasso, profundamente impresionado por la pérdida
de su mejor amigo Carlos Casagemas, que se quitó la vida de un disparo a la
edad de 20 años. Este suceso marcó al joven Picasso, que dedicó varios cuadros
a su amigo y comenzó en aquellos años la etapa azul.
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| Evocación. El funeral de Casagemas. PABLO PICASSO. Museo de Arte Moderno de la Villa de París. |
